Sandbox Mode

Sandbox Mode ist ein Spielmodus, der es den Spielern erlaubt, die Geschichte und das Spiel auf nichtlineare Weise zu erforschen, um freie Experimente ohne große oder gar keine Einschränkungen zuzulassen.  Dieser Prozess, bei dem ein freier Zugang zu einer breiteren Welt im Vordergrund steht, ist als Konzept zur Erweiterung der aktuellen kuratorischen Ausrichtung der digitalen Kunst relevant. Das facettenreiche Medium sollte mit dem Anspruch der freien Erkundung und des Experimentierens angegangen werden, wenn es darum geht, es zu bearbeiten, zu erforschen, auszustellen und zu kontextualisieren.

Das weite Feld, das es bietet, reicht von empfindlicheren Code-basierten Arbeiten bis zu physischen Werken, die eine bestimmte körperliche Präsenz unerbittlich fordern. Es basiert auf einer Kunstfertigkeit, die Offline- und Online-Räume sowie immaterielle und materielle Themen mit einem tiefen Verständnis für technologische Kreativität berücksichtigt, kombiniert und kontextualisiert. In Sara Ludys A Large Room with Some Room In It wird der physische Raum durch KI in das Digitale integriert, um dann durch eine Fotografie wieder in seinen physischen Zustand zurückversetzt zu werden. Von einem Ort des Experimentierens kommend, führt Ludy diesen Gedanken in ihrer Serie von Videoarbeiten Metamimics weiter, in denen die Künstlerin die wahre Natur der KI und folglich auch unsere eigene erforscht. Künstler:innen stellen diese Begriffe seit langem in Frage, indem sie Themen in ein anderes Licht rücken und die fließenden Grenzen zwischen dem Zustand des Seins und des Nicht-Seins untersuchen, und was neue Technologien über unsere Existenz aussagen können.

So wie Ludy das Physische und das Digitale und unseren eigenen Zustand durch KI betrachtet, stellt Stine Deja in Hard Core, Soft Bodies den physischen Aspekt des menschlichen Körpers in einer technologischen Umgebung neu dar. Im Mittelpunkt steht immer eine einfache Frage: Was bedeutet es, im Zeitalter der künstlichen Intelligenz und der technologischen Übernahme ein Mensch zu sein? – Dejas Installation untersucht das weiche Innere des menschlichen Körpers durch eine technologische Linse.

Obwohl die Praxis selbst eine breite Palette von Ergebnissen und Ansätzen bietet, neigt die Präsentation digitaler Kunst manchmal dazu, sich auf einen sehr statischen Ansatz zu beschränken und sich auf Ergebnisse zu beschränken, die perfekt auf Bildschirme passen. In Dejas Fall wird die Grenze zwischen dem Bildschirm und dem Publikum durch 250 kg Kies minimiert, der das Werk im physischen Raum verankert, es auf natürliche Weise über den Bildschirm hinauswachsen lässt und es mit dem Boden verbindet. Gerade diese Ausdehnung über den Bildschirm hinaus macht die digitale Kunst zu einer Praxis, die auf natürliche Weise in Bereiche vordringt, die wir nur wenig kontrollieren können, sowohl physisch als auch digital. Das Eigenleben, das einige der Werke online oder sogar in den Köpfen der Betrachter führt, ermöglicht eine unkontrollierbare Erkundung von Konzepten und Ideen, ein Freiflugmodus mit wenigen bis keinen Einschränkungen.

Die Idee, dass ein Werk seine Existenz über den physischen Raum hinaus ausdehnt, wird in Mitchell F. Chans The Boys of Summer veranschaulicht. Das partizipatorische Werk, das sich online als Spiel entfaltet, ermöglicht es seinen Sammlern, mit ihren generativen PFPs daran teilzunehmen. The Boys of Summer reflektiert tiefere Fragen darüber, was in der modernen Gesellschaft als Erfolg gilt, und bietet durch seine Vielschichtigkeit eine natürliche Erweiterung über das in der Galerie ausgestellte Werk hinaus, mit Ergebnissen, die weder die Kurator:innen noch die Künstler:innen kontrollieren können.

Dieser Gedanke einer möglichen Fortsetzung und Existenz jenseits des Physischen kommt auch in der Arbeit TURE The Roedalming Group zum Ausdruck. Mit ihrem poetischen Ansatz und der Berücksichtigung der Kreativität verzichtet die neue Kunstbewegung auf jegliche Kontrolle über den performativen Aspekt des Stücks. Der Gedanke der Kontrolle ist in diesem Werk völlig ausgeklammert, da der Künstler von Anfang an auf jegliche Autorität verzichtet und sich der freien Erkundung dessen öffnet, was Kreativität in einem gemeinschaftlichen Rahmen bedeuten könnte. TURE ist ein sanftes und poetisches Stück, das im Rahmen der Gemeinschaft, in der es existiert, entstanden ist.

Die Bedeutung des gemeinschaftlichen Aspekts des digitalen Raums spiegelt sich auch in Andreas Gysins LDC 1 wider. Gysin erklärte zunächst, das winzige Objekt enthalte alles, was der Künstler wisse, und führte später weiter aus, das Kunstwerk enthalte die Intelligenz und das Wissen der anderen Mitglieder des Künstlerkreises, die alle eine Rolle bei der Realisierung des Kunstwerks gespielt hätten. Obwohl LCD 1 in seiner Präsentation ein sehr viel stärkeres physischeres Element aufweist, wird das Konzept flüssiger, wenn man das Verhältnis zu der gemeinschaftlichen Intelligenz bedenkt, das für den Entstehungsprozess des Werks wohl wesentlich ist. Obwohl LCD 1 klein ist, enthält es eine Fülle von Ideen und Wissen und erkennt die Bedeutung anderer bei seiner Entstehung an, was einen Einblick in die Komplexität bietet, die in der digitalen Kunst oft vorhanden ist.

Die Anerkennung von gemeinschaftlicher Intelligenz und Wissen ist für den digitalen Kunstraum und wohl auch für seine Präsentation von entscheidender Bedeutung. Indem wir die gemeinsamen Ergebnisse fördern, die sie mit sich bringen, öffnen wir uns auch für die Anerkennung und Berücksichtigung von Interdependenzen im gesamten Raum. Diese Abhängigkeiten müssen nicht ausschließlich zwischen Menschen bestehen, sondern können auch zwischen Maschinen und Menschen oder sogar zwischen Maschinen bestehen, bei denen der menschliche Faktor manchmal einfach nur bei der Erstellung des Displays präsent ist.

In Cezar Mocans neuem Werk World Upstream verschwimmt die Koexistenz von Mensch und Maschine, Natur und Technologie. Es wird darüber nachgedacht, welche Form eine übermenschliche Gemeinschaft annehmen könnte. In Mocans Welt hat die künstliche Intelligenz ihren metaphorischen Seinszustand hinter sich gelassen und eine körperlichere Form angenommen. Ihre Umwelt wird von der Landschaft und nicht von Serverfarmen bestimmt, wodurch sie den Gefahren und Wahrheiten der physischen Landschaft ausgesetzt sind. World Upstream stellt sich ein neues Genre der Malerei für das späte 21. Jahrhundert vor, einen Ort, an dem verschiedene Intelligenzen auf weniger hierarchische Weise und in einem gemeinschaftlichen Rahmen existieren können.

Obwohl sie durch ihre Ideen und ihre Umsetzung sehr unterschiedliche Fragen aufwerfen, gehen alle Werke über den traditionellen Begriff der Präsentation hinaus. Ein einseitiges Herangehen an ein Medium mit einer Vielzahl von Möglichkeiten verengt es auf eine sehr formale Denkweise, wohingegen dieser Bereich ein offenes Herangehen erfordert, von der Idee bis zur Ausstellung. Auch wenn die Werke in einem kontrollierten und formalen Rahmen präsentiert werden, dringen sie oft in Bereiche vor, die weder von Kurator:innen noch von den Künstler:innen kontrolliert werden können, und stellen eine Komplexität dar, die es erforderlich macht, kuratorische Entscheidungen über Aspekte zu treffen, die manchmal über die Wände der Galerie hinausreichen.

Text von Stina Gustafsson (aus dem Englischen übersetzt)